[an error occurred while processing this directive]

Список выпусков Содержание выпуска

ХХ ВЕК ФРАНЦУЗСКОЙ ЖИВОПИСИ НА ЕГО ОСНОВНЫХ СРЕЗАХ

ИОСИФ АНГОР (Нью-Йорк)

Мучителен и сложен путь признания творчески одаренных личностей. Мы задались целью проследить этот процесс на срезах времени, избрав объектом анализа динамику приятия обществом творчества французских художников и скульпторов, чьи произведения создавались и создаются на протяжении ХХ века. Предварительной задачей поиска явилось определение времени первых официальных позитивных оценок выкристаллизовывающейся лидирующей группы художников (ныне нам хорошо известных, а тогда являвшихся вещью в себе; попутно, но это тема отдельного разговора: сколько реальных талантов обозреваемого периода времени так и не стало вещью для нас), специалистами бесспорно влияющими на формирование общественного мнения. Поиск шел целенаправленно, и естественно, что наш выбор должен был остановиться на одном из оправдавших себя долгосрочном прогнозе, извлеченном из-под пыли времени.

Немногим более 70-ти лет назад, а точнее, в 1925 году (условно, первый срез), известный французский художественный критик Бернард Шаренсол в своей статье в журнале L'Art Vivant перечислил имена десяти французских художников и скульпторов, чьи работы, по его мнению, заслуживают занять достойное место в музеях современного искусства, в следующей последовательности: Матисс, Мэллол, Дерен, Сегонзак, Пикассо, Утрилло, Руал, Боннар, Брак, Вламинк. Следует отметить, что предварительно им была проделана большая работа. Свои суждения он тщательно сопоставил и скорректировал с высказанными по этому вопросу воззрениями в печати, учел мнения опрошенных художников, критиков, представлявших различные тенденции в искусстве, кураторов известных музеев и художественных галерей, коллекционеров. Нынче они не нуждаются в особом представлении, ибо ставшие хрестоматийными образцы их творчества мы находим в музеях Парижа, Москвы, Нью-Йорка, Лондона.

Достаточно сказать, что о Матиссе написан целый ряд монографий. Если нам не довелось повидать монумент Сезанну скульптора Мэллола в Париже (названный автором "Слава"), то, может быть, посчастливилось созерцать другие скульптуры этого мастера, имевшего пристрастие к изображению обнаженных женских фигур в смешанном стиле классицизма и модернизма - такие, как "Три нимфы" и "Венера с ожерельем" в Лондоне. В крайнем случае в Музее современного искусства Нью-Йорка вы смогли отвести душу узрев его "Сидящую женщину", а в Метрополитен-музее - скульптуру "Ночь" в лике женщины. Общеизвестен широкий диапазон творчества начавшего авангардистом (фовизм и кубизм, как его основные вехи) и пришедшего к классической традиции французской живописи Дерена. Здесь и снискавшая мировую славу живопись (пейзажи и натюрморты), и скульптурные медные маски, и иллюстрации к произведениям Оскара Уайльда, Рабле.

Опуская неповторимую пейзажную живопись Сегонзака и многогранное творчество Пикассо, напомним лишь вкратце о живописи едва ли не самого популярного в Париже в 1919-1920 годах художника-самоучки, поэта парижских улиц - Утрилло. Он рисовал без теории и системы с натуры и почтовых открыток. Первым и единственным учителем Мориса Утрилло была его мать, артистка и художница Сюзанна Валадон, оставленная мужем-алкоголиком, когда ей было 18 лет. Она надеялась (и не без оснований), что занятия живописью возымеют терапевтический эффект на сына, страдавшего унаследованной от отца болезнью. Последние 20 лет он провел в строгом уединении. Своеобразно творчество художника, умевшего приковать взгляд к картине изображением неожиданного вертикального препятствия: дома с экзотичной башней, то колокольней, а то и просто укрепленной стены. Всплывают в памяти его известные пейзажи - "Кабачок "Лапен ажиль", "Церковь Сен-Пьер", "Улица в Отее", "Церковь на окраине", "Мулен де ля Галетт".

Назвав только три наиболее известные работы начинавшего экспрессионистом и фовистом Руала: "Клоун", "Христос, осмеянный солдатами" (обе хранятся в Музее современного искусства Нью-Йорка), "Три судьи", мы сразу приобщаемся к пользующемуся заслуженным вниманием творчеству этого известного художника.

Имя Боннару создали его натюрморты, интерьеры, пейзажи.

Заключают большую десятку художник и скульптор Брак, соавтор Пикассо, по кубизму и пейзажист, иллюстратор и декоратор Вламинк.

Через 30 лет Б.Шаренсол меняет порядок представления большой десятки, возведя на ее вершину Матисса, Пикассо, Боннара и Брака.

А теперь коротко о динамике признания великолепной десятки. Все они к этому времени были едва ли в свои пятьдесят. Здесь, пожалуй, единственным верным объективным критерием являются цены на работы этих мастеров на аукционах (см. таблицу, в которой цены представлены в трех измерениях: франках, долларах, фунтах стерлингов)

(1) Для сравнения: работы Коро и Ренуара в это время шли по цене 80-100 тыс. франков (9-11,2 тыс. долларов или от 3,2 до 4 тыс. фунтов стерлингов).

(2) Отдельные работы Дерена и Боннара поднимались в цене до 4,5 тыс. долларов, а картины Матисса - до 8,4 тыс. долларов.

Надо ли говорить о том, что сейчас (условно - 4-й временной срез) работы этих мастеров оцениваются в миллионы и десятки миллионов долларов. К примеру, наиболее крупная в Америке частная коллекция картин Энненбергов, ежегодно выставляемая на экспозицию в Метрополитен-музее, коллекция, основу которой составляют 53 картины французских импрессионистов и постимпрессионистов, оценивается свыше, чем в миллиард долларов. И в этом нет ничего удивительного, ибо картины их американских последователей, таких, как Mary Cassatt, William Merrit Chase, Winslow Homer, Georgia o'Keeffe, John Singer Sargent, Charles Sheeler, в настоящее время оцениваются свыше, чем в миллион долларов.

Другим объективным критерием официального признания этих художников может явиться упоминание их имен на страницах Мировой американской энциклопедии. Был просмотрен с этой целью целый ряд энциклопедических словарей и энциклопедий на протяжении около 60-ти лет. Суммарно результат этих наблюдений по годам, выраженный в процентах художников десятки, информация о творчестве которых размещена в этих изданиях, выглядит следующим образом: 1940 - 20%, 1960 - 60%, 1996 - 90%. Более конкретно: в энциклопедии за 1940 год были представлены Матисс и Пикассо; в 1960 году к ним присоединились Мэллол, Руал, Боннар, Брак, а в 1996-ом не был лишь упомянут Сегонзак, что можно, скорее, отнести к упущению составителей энциклопедии.

Мой приятель, посетивший недавно под благословенной сенью Americana Travel Францию, вернулся полный восторга от созерцания "красочного теста" (то, что французы называют Pate) работ Сегонзака, которому отведен целый зал в Музее современного искусства в Париже. Таким образом, признание тех, кому есть, что сказать людям, приходит в лучшем случае через десятилетия и десятилетия упорного труда.

Представляло интерес продолжить наблюдение на сходном материале, более близком нам по времени. Имея в виду безошибочность сделанного прогноза, редакция другого французского журнала - Ealities спустя 30 лет предложила Б.Шаренсолу определить ведущих французских художников следующей, послевоенной генерации. Время, как мы убедились, работало и продолжает работать на все возрастающую ценность шедевров художников первой десятки, но уже не было в живых Матисса, Мэллола, Дерена, Боннара, доживал последние месяцы Утрилло, лишь 3 года жизни было отпущено Руалу и Вламинку и 8 лет - Браку. Ощутимо во вторую половину ХХ века перешагнули лишь два ветерана этой десятки: Пикассо и Сегонзак. Решение поставленной задачи осложнялось тем, что входящая генерация молодых художников выставляла свои работы не более десяти лет (с 1945 года по окончанию войны) и была мало известна публике. Наиболее старшим из этого поколения художников было порядка сорока лет. Сделал ли опыт, сработала ли интуиция известного художественного критика и на сей раз безошибочно, верша свое дело? Шаренсол составил список новой десятки и разослал его на суд около ста художников различной генерации, а также критикам, поддерживающим основные тенденции в живописи, экспертам, знатокам. Лишь около тридцати процентов респондентов отказались по разным мотивам дать свое заключение (в частности, Марк Шагал сослался на то, что живет вдали от Парижа и не располагает достаточной на этот счет информацией).

Обработанный материал был опубликован в майском выпуске журнала Realities за 1995 год. Эту новую десятку возглавлял Бернард Бюффе, получивший 40 голосов опрошенных респондентов. Следом шли: Антони Клаве (23 голоса), Бернард Лоржу (15 голосов), Жан Карзу (14 голосов), Альфред Мениссье (21 голос), Эдуард Пижно (15 голосов), Андре Мино (14 голосов), Андре Маршан (13 голосов), Жан Базен (12 голосов). При анализе работ французских художников послевоенного периода в русской критике Бюффе обычно возглавляет иной ряд, лишь единицы из которого, а именно Карзу и Мино, перекликаются с перечисленными живописцами. Как правило, это Сенже, Кальве, Рене Жени, Ги Бардон, Робер Савари, Жан-Клод Бертран, Жак Пети, Мишель де Галлар. Это делает целесообразным остановиться вкратце на характеристике их творчества. Следует иметь в виду, что самому молодому из этой плеяды художников - Бюффе сейчас 68 лет, иных - нет в живых.

Б.Бюффе родился в 1928 году. Свое первое полотно написал в возрасте 10 лет. Краткосрочная учеба (1944 год) в Школе изящных искусств сменяется самостоятельной работой, уже в 1948 году отмеченной Призом Критики. С 1949 года работает в контракте с Друан-Деви галереей. Работами "Площадь Согласия" (1957), "Мост Тауэр" (1960) заявил себя зрелым художником. Одна из самых оживленных площадей столицы, как и другие пейзажи художника, - пустынна.

Известный критик Роже-Маркс так охарактеризовал работы Бюффе: "В написанных словно по линейке пейзажах Парижа Бюффе остается один на один со столицей, парадоксально лишенной всего преходящего, такой, какой она предстала во всей своей пустоте Гитлеру. И здесь кисть художника остается верной мощной монохромности до такой степени, что многие упрекают Бюффе в том, что он прежде всего рисовальщик".

В хрупкую душу юноши глубоко запали впечатления времен оккупации и во многом определили это восприятие мира. Отсюда и ущербность, ощущаемая во всех его работах, окрещенная критикой как "мизерабелизм" ("несчастный", "обездоленный", а одноименного названия известный роман В.Гюго в русском переводе укоренился как "Отверженные"). Чувство щемящей тоски, бесприютности, бесплодности (вспомните "Снятие с креста" (1946), даже ранний "Натюрморт с фруктовницей") вызывают картины этого художника-пессимиста. Бюффе осознанно, хоть и владеет хорошо колористикой, изгоняет цвет из своих картин. Его рисунок с преобладанием длинных вертикальных линий, не сдерживающих напора масс (их попросту нет в изображаемом), - аскетичен, однотипен. Уличные фонари, фонтаны, здания, мосты - легки, как бы бесплотны. Художник часто оставляет (в моем собрании есть картина Рюлоу "Мост Тауэр" с подражением Бюффе) нетронутые кистью пустоты холста, как паузы, подчеркивающие ритмичность изображаемого. В печальных пейзажах Бюффе зрителю не дано определить ни времени дня, ни года, уже не говоря о погоде (ни дождя, ни ветра, ни снега, ни солнца). Уже самые ранние его работы, как "Снятие с креста", проникнуты кафкинской безысходностью.

Придерживаемый одной рукой (больше усилий и не требуется) закончившей омовение (кувшин и чашка - рядом) женщины с печатью глубокой скорби на лице, безжизненный Христос с несуразно длинными ногами (а без этой детали он выглядел бы не мужчиной, а тщедушным юношей), в сидячей позе на земле, представляет композиционный центр картины. Изображение не имеет опоры на окружающий пейзаж, как и другие внешние детали, с точки зрения художника способные отвлекать внимание зрителя. Самое необходимое - крестовина, теперь уже вакантная и запасная, на втором плане, стремянки и фигуры двух пар случайных прохожих: скорбящей матери с ребенком и любопытствующего отца с сыном (оба, впрочем, изображены со спины, возможно, как позиция автора). О внутренне глубоко опустошенном, в согбенной позе сидящем на стремянке мужчине, только что проделавшем эту тяжелую (нет, не физически, а - морально) работу, коротко можно сказать только одно: краше в гроб кладут. У его ног - современной конструкции с длинными (в повторении изображения ног покойника) приводными рычагами кусачки, которыми было освобождено пригвожденное тело Христа. Душа Христа на свободе, но основную мысль автора, что так было и будет, мы узреваем и в попустительстве тому равнодушия и любопытства, уже описанной мужской фигуры и в едва ли не единственной, усложняющей картину детали: в руке скорбящей прохожей с изображением креста на крышке - клетка с мелким домашним животным, вероятно, кошкой.

Художник работает при искусственном освещении, как лихорадочный воркоголик: порой трудится одновременно над десятью полотнами. Его картины выставляются в музеях Парижа, Гренобля, Нью-Йорка, Торонто, Женевы. Он так же является оформителем театральных сцен и книжным иллюстратором.

Антони Клаве родился в 1913 году в Барселоне. Образование получил в Школе изящных искусств в Париже. Первое полотно написал в 15 лет, а первый приз за работу получил в 35 лет. Удостоен Приза Юнеско на Венецианском биеннале в 1954 году. Так же работает в контракте с Друан-Деви галереей. Его известная работа "Провансальская кладовая", которая может иметь и второе равнозначное название - "Провансальский шпиг", представляет собой натюрморт, состоящий из двух полок аппетитных явств. На верхней - фруктовница, переполненная фруктами, служащая для измельчения специй ступка с пестиком, а рядом, на подносе, - ароматный внушительных размеров кусок шпига с включениями специй на разрезе. В продолжении, нижняя полка начинается с покоящихся на подносе двух больших кусков шпига, которые художник как бы предлагает отведать, обильно запив знаменитым напитком провансальских виноделов, заставленным здесь же в пяти внушительных размеров графинах. Натюрморт написан в комбинации сезанновского представления об этом жанре со стилем кубизма. Изображение хорошо освещено с обилием солнечных бликов, внезапно ворвавшегося жаркого летнего дня в прохладную кладовую через приоткрытую дверь справа от зрителя. Его палитра часто темная (вспомните, к примеру, картину "Женщина с Балеарских островов"), излюбленные тона - фиолетовые. Специалист по светотени, он в основном увлекается натюрмортами и изображением моделей. Замечен как мастер иллюстраций произведений Вольтера, Пушкина, а так же оформления театральных сцен (Парижа, Лондона). Картины его экспонируются в музеях Франции, Швеции, Америки, Японии.

Бернард Лоржу родился в 1908 году в семье поденного рабочего. Заботясь о хлебе насущном, он смог полностью посвятить себя живописи лишь в 40 лет. Первое полотно выполнил в 16 лет, а продал в 36 лет; первый Приз Критики получил в 40 лет. В работе использует свободные линии и жесткий цвет. Изображает объекты, словно при взрыве бомбы. Такова, к примеру, его характерная работа "Бедствие в провинции Бос". На фоне низвергающегося водопада, уносимого горной рекой с берегами, поросшими и без того деформированными деревьями, видны фигуры людей и животных в состоянии ужаса. Слева, в полоборота, словно подброшенный воздушной волной от взрыва снаряда, - мужчина, прикрывающий правой рукой лицо в страхе перед сонмом налетевших, словно саранча, крупных, размерами с человеческую голову, фантастических с виду насекомых. Рядом кем-то привязанная к стволу дерева, у которого стихией снесло крону, корова в отчаянной попытке освободиться встала на дыбы. Она давно беспризорна, о чем свидетельствует ее переполненное молоком вымя. Справа, уравновешивая композицию, - согбенная фигура крестьянки с обезумевшими глазами в состоянии ступора перед лицом надвигающегося кошмара. У ее ног валяется выброшенная на берег крупная дохлая рыба с широко раскрытым ртом. И как бы в контрасте с происходящим, подчеркивая трагизм ситуации,- беззаботный младенец, играющий на земле.

Придавая линии первостепенное значение, Лоржу любил говорить следуя примеру Энгра: "Цвет лишь модифицирует рисунок". Первые зарубежные показы картин прошли в 1954, 1956 годах в Нью-Йорке, Японии - в 1955 году. Его картины демонстрируются в музеях Нью-Йорка, Венеции, Варшавы.

Альфред Мениссье родился в пригороде Парижа в семье виноторговцев. С 1931 года изучал в Париже архитектуру. Один из главных участников Майского Салона в Париже в 1945 году. Состоит в контракте с картинными галереями Франции. В работах применяет своеобразный авторский стиль: представляет изображение, как если бы оно было видно сквозь отверстия железной решетки, нередко с нерегулярными изломами ее поверхности. Такова его картина "Зима": вид снежного безбрежья через причудливый узор железной решетки. Точнее, его картины призваны вызвать ощущение, рождаемое изображением, без того, чтобы оно было в полную меру представлено. Следуя религиозным представлениям, занимается переработкой библейских сюжетов. Его работы хранятся в музеях современного искусства Парижа, Нью-Йорка, в ряде стран Скандинавии, Африки и Южной Америки.

Эдуард Пижно родился в 1905 году в Па-де-Кале, на севере Франции, где долгое время работал шахтером, пока не попал в Париж, в учреждение по трудоустройству, где рисовал свои картины по ночам. Учебный период, охватывающий 1930-1934 годы, проходил под руководством скульпторов Валерика и Арнольда. В 1951 году Пижно был удостоен Приза биеннале в Сан-Паулу. Он нарисовал серии картин: материнство, рыбы, каталонцы, порт Остенд, оливковые деревья, виноградники. В его творчестве отмечаются три периода: окрашенный, серый и снова цветной. По мнению поклонников, изящество его изгибающихся линий, соединяющих на полотнах прямые, обладают магнитящим действием. Примером тому может служить стилизованное изображение яхт и яхтсменов на берегу бельгийского морского порта и курорта Остенда в картине с одноименным названием. Его картины экспонируются музеями современного искусства Парижа, Нью-Йорка, Лондона, Сан-Паулу.

Никола де Сталь родился в Санкт-Петербурге в 1914 году. Первую картину выполнил в 1930 году. Ранее его творчество находилось под влиянием Брака, с которым он познакомился в 1943 году. Принимать участие в выставках начал в 40 лет. Критика отмечает два периода его творчества: первый - рисунок, модифицированный цветом, второй - сменяющие друг друга цветные поверхности. Тяготеет к технике, в которой объекты могут быть опознанными, хотя они крайне упрощены и увеличены в размерах. Его первые работы выполнены в серых тонах, последующие - соприкосновение интенсивных красок с блеклыми; к примеру, красного и едва голубого. Такова его картина "Марсель" с упрощенными формами прибрежной атрибутики. Его картины широко экспонируются в музеях современного искусства и картинных галереях Парижа, Нью-Йорка, Вашингтона, Цинциннати, Чикаго, Цюриха, Мельбурна.

Жан Карзу родился в Париже в семье фотографа в 1907 году. Самостоятельно пробивался в жизни, одновременно учась и работая. Рисовал с детства, но первое законченное полотно написал в возрасте 20-ти лет. В 1954 году Карзу награждается Призом Иль де Франс. На первой выставке в 1939 году художнику не удалось ничего продать, а на следующей - в 1943 году, несмотря на военное время, были распроданы все его картины. Работам Карзу характерен тонкий "проволочный" рисунок изображаемых объектов на фоне легкой туманной дымки, как бы в нереальном воздушном пространстве. Вспомним его полотна "Благовещение", "Насыпь железной дороги", "Рассвет". Увидевший раз картины Карзу всегда тотчас опознает их в ряду работ других авторов. Его полотна экспонируются в музеях современной живописи Парижа, Америки, Египта, Австралии.

Андре Мино был "открыт" одновременно с Бюффе. Он родился в Париже в 1923 году, рисовать начал с детства. В отличие от Бюффе изображает объекты, наполненные плотью. Первую законченную картину выполнил в возрасте 25-ти лет. Образование получил в Школе декоративного искусства Парижа у наставников Брианшона и Удо. Уже в свои 22 года приступил к самостоятельной работе. И как итог - первые персональные, прошедшие с успехом выставки в 1951 и 1953 годах. Его творчество отличает несколько периодов: серый, черный, затем - желтый и оранжевый. Его известная картина "Жатва", написанная в реалистической манере, представляет группу молодых женщин с детьми в перерыве уборки урожая. Их лица детально не прорисованы, но даже беглого взгляда достаточно, чтобы установить, кто уже наслаждается отдыхом, кого работа не утомила, кто в задумчивой мечтательности, кого не отпускают заботы. В картине присутствует необходимая сельская атрибутика: снопы, арба, грабли, но все это не только не отвлекает, а скорее нарочито очерчивает круг основных интересов автора - человеческие лица, их позы. По отдельным деталям (скажем, в том, как Мино изображает грубую женскую ступню) можно усмотреть влияние Гогена, а по духу, философии жизни (земля и возделывающий ее человек) картина восходит к творениям Милле.

Это о таких художниках, как Бюффе, Лоржу, Жан-Клод Бертран, Мино, писал известный французский критик Жорж Бессон, продолжая в седьмом десятилетии ХХ века защищать интересы конфигуративного искусства: "Живопись по-прежнему чувствует себя великолепно. Это здоровье ей обеспечивает небольшой отряд, состоящий из двух десятков парней, искусство которых стало хорошим тоном замалчивать и держать в тени, в то время как, трудясь, и хорошо трудясь на своем нелегком поприще, они стараются восстановить образный живописный язык". Картины Мино экспонируются в музеях современного искусства Парижа, По, Лондона, Пуатье.

Андре Маршан родился в 1907 году в Эксе - на родине Сезанна. Южанин, а значит, солнцепоклонник - его картины наполнены летним зноем, что особенно рельефно проступает в контрасте соприкосновения обедненных цветом поверхностей с пурпурными и оранжевыми. Он с музыкальными наклонностями, но утверждает, что его видение больше находится под влиянием различных запахов и ароматов. В его картинах основу составляет точный четкий рисунок. Известное полотно "Ландшафт в Арле" представляет сложное сочетание темных, испещренных белыми линиями и светлых пятен, порой весьма опредмеченных, как в случае помещенного в центре композиции силуэта, выражающего спокойствие, олицетворяющего силу быка, так и стилизованных, которые в силу свободного воображения могут восприниматься как различные геометрические фигуры либо очертания ферм, с пролегающими между ними дорогами. И все изображенное и не - , но дополненное воображением, легко и естественно переходит на мольберт художника, разрезающего плоскость холста. Картина рождает ощущение невысказанной устойчивости и подчеркнуто высказанного спокойствия. И действительно, отчего быку ярится на фоне стилизованной природной идиллии, если над ним не рвутся снаряды.

Маршан замечен как книжный иллюстратор, особенно удачными являются его рисунки к книгам лауреата Нобелевской премии Андре Жида. Им выполнена мозаика здания министерства воздушного флота близ Парижа.

Жан Базен родился в 1904 году. Образование получил в Париже, в Школе изящных искусств. Первая законченная работа относится к 1924 году. Известен, как автор книги "Заметки о современной живописи". Его картины имеют сходство с воображаемыми звездными галактиками, хотя рождены они созерцанием земных ландшафтов. Попытка выразить собственное видение окружения как концепцию роста и движения приводит его к изображению по разному окрашенных следующих друг за другом и как бы наползающих одна на другую небольших плоскостей, при этом большей из них по размерам неизменно принадлежит передний план. Так художником создается иллюзия движения. Примером удачного выражения этой концепции является его картина "Камни, деревья и равнины", как вид с высоты птичьего полета. Он, кроме живописи, увлекается созданием церковных витражей. Картины Базена экспонируются музеями современной живописи Парижа, Нью-Йорка, Осло, Копенгагена, Стокгольма.

А теперь пару слов о стоимости картин. На период 1955 года цена работ художников второй десятки на аукционах доходила до 2,8 тысяч долларов (а в случае с Никола де Сталь эта цифра, в связи с его суицидом 18 марта 1955 года, резко подскочила), лишь в 3-4 раза уступая стоимости картин представителей первой большой десятки. Информативно и другое сравнение: полотна Ренуара, с работами которого по времени аналогично сопряжено раннее творчество представителей первой десятки, в 1925 году продавались по цене, превосходящей стоимость их картин в 40 раз. Сегодня миллион долларов - далеко не предел стоимости картин мастеров послевоенного периода. Еще рано говорить о появлении их имен в энциклопедии. Путь признания - долгий путь. Достаточно сказать, что когда Американская энциклопедия напечатала на своих страницах имена более половины участников первой большой десятки, лишь двум из упомянутых - Браке (доживал последние три года) и Пикассо - было около 80-ти лет; остальных, чей возраст колебался от 90 до 99 лет, уже не было в живых. Однако их имена вписаны в мировую историю живописи уже тем, что их картины прошагали по лучшим музеям планеты. В качестве интересного дополнения можно сказать, что Бюффе в свои 50 с небольшим на страницах той же энциклопедии уже отведено места больше, чем Пикассо (не умаляя его значимости) - в 60 лет.

А неумолимое время подсказывает нам имена новых героев, художников нашего времени. Вдали от Парижа действительно трудно делать прогнозы. Однако на недавней (ноябрь 1992 года) выставке современных французских художников в Америке в Художественной галерее Сан-Франциско наше внимание обратили на себя работы четырех перспективных художников - Эдуарда Корте, Антони Бланшара, Андре Андреоли и Евгения Гарина - художников, которые лидерами шагнут в XXI век. Это прежде всего картина Эдуарда Корте "Площадь Пигаль". Известная площадь Парижа изображена в вечернее время, время позднего заката. В центре просматривается лишь небольшой участок, еще не успевшего потемнеть лазурного неба в конце уличной перспективы, почти на линии горизонта, в блеклых лучах уходящего на покой солнца. Его слабые отсветы, причудливо трансформированные, легли на мостовую переднего плана. Основное освещение осуществлено в картине огнями витрин. На полотне размерами 15" х 18" размещено чуть больше десятка неспешных, сгруппированных преимущественно по парам, реже одиноких людей. Справа, на втором плане, - карета с тремя белыми лошадьми и двумя возницами на козлах. По одежде (красный шарф на женщине, продающей цветы, на всех - верхняя одежда и головные уборы), обнаженным деревьям (впрочем, отдельные из них еще сохраняют частично пурпурный наряд), прозрачной воздушной атмосфере безошибочно определяется и время года. Картина воспринимается как нешумный гимн еще одному заслуженно прожитому дню и как маленькая, точная, полная тепла иллюстрация уголка парижского вечера. И если хотите - это небольшое полотно может встать гармонично в ряд словесного описания этого времени года, сделанного неповторимым французским поэтом С.Малларме: "К лазури октября, поры прозрачных дней..."

По существу, аналогичная мелодия, лишь по времени несколько предшествующая предыдущей, доносится и с картины Антони Бланшара "Париж в сумерках". Это другой уголок Парижа, иначе освещен, более насыщен шумом людского движения и цоканьем копыт конных повозок; предстает он пред нами в чуть иное время - время еще не вполне сдавшего позиции уходящего дня. Висящая у меня над столом репродукция работы Бланшара, на которой люди спешат занять места (а иные уже заняли) в облюбованных ими ночных кафе и ресторанах, хорошо дополняет этот рассказ.

На заметной по размерам (42" х 72") - картине Андре Андреоли "Хаттон, Голландия", выполненной четко, словно, ретушированная фотография, представлена близкая сердцу заядлых туристов городская готика, рождающая готовность поверить в иллюзию, что еще пару веков назад жизнь на земле была уютней, а уж неспешной - так точно. Главное в картине - эффект удачно выбранного освещения солнечными лучами (остановленных препятствием), передаваемого контрастом ярко-желтого (верхние этажи, причудливой формы башенки домов) и темно-коричневого - нижние этажи домов, мост, уличный речной канал, лодка, фигуры людей, вся неосвещенная часть улицы справа, откуда подано художником освещение, частично срезанное городскими постройками. Птицы улетают, деревья, хоть местами еще и в осеннем багрянце, в основном голые. Напрягите чуть-чуть воображение - и вы увидите, что приход зимы сюда будет сказочным.

Средних размеров (36" х 48") картина Евгения Гарина "Безвозвратное путешествие" рождает иное чувство. Разбушевавшееся у поросшего лесом (едва сдерживающего напор стихии) берега море, что называется - девятый вал, свое черное дело сделало. В картине нет и намека на живую душу, лишь название ее поясняет замысел художника. Грозное небо не рождает надежды на скорое просветление. Однако у меня, как зрителя, картина не вызывает пессимистического настроения. В захлестывающих берег волнах, в бурных порывах ветра, которым деревья оказывают сопротивление, можно скорее прочесть желание художника, желание, полное азарта, - помериться силами с разбушевавшейся стихией на жизненном пути. Бесспорно: жизненные невзгоды эти ребята будут одолевать творчеством.

Даже приведенная краткая информация рождает уверенность, что художественная закладка этого последнего (пятого по счету) среза ХХ века уже начала приносить первые плоды, обещающие обернуться устойчивым урожаем. Не надо спешить с выводами, подобно высказанным в русской художественной критике, что французская живопись второй половины ХХ века, мало менявшаяся по существу, оставалась в основном на рубежах предвоенных лет. Каждые 30-40 лет рождается новая генерация художников, ценность картин которой по началу, в сопоставлении с полотнами предшествующей как правило, воспринимается скептически. Если отсчитать время назад от 1925 года, мы попадем в период расцвета живописи импрессионистов. Но потребовалось время, чтобы уяснить значение, создаваемой на художественной клумбе этой поры, живописи Сезанна, "отца нас всех" (по меткому выражению Пикассо), Сезанна, чье творчество планомерно подвергалось нападкам критики. Нам еще предстоит в полную меру понять вневременную скорбь ранней живописи, к счастью, прижизненно признанного Бюффе1. Скорбь по нас самих.

Список выпусков Содержание выпуска

[an error occurred while processing this directive]